Основные понятия истории искусств

Наконец-то я это сделала! Наверное, тот факт, что эта книга была задана к обязательному прочтению ещё на 1ом курсе, в то время как я уже на 4ом, должен как-то отягощать мою совесть, но лучше поздно, чем никогда! А вообще примечательно моё обращение к истокам...
Кстати, и ещё забавный факт: при первой попытке чтения язык Вёльфлина мне казался очень сложным, а сама суть текста "затемнена" и превращена в "ясное неясное". Сейчас - с точностью до наоборот. Всё понятно :)
Итак, этот немецкий искусствовед придумал 5 пар понятий. Именно придумал, так как предыдущим опытом искусствоведческой науки он почти не пользуется. В общем говоря, и оспорить-то их никак нельзя, потому что он обращается скорее не к теоретизации материала, а к рассмотрению свойств, присущих Высокому Возрождению и барокко, и эти два этапа искусства почитает за вершины. Он не из тех, кто считает, что искусство способно на прогресс.
К слову, иллюстрации при чтении лучше искать самим.
Книга полезная, так как может сразу привести к знанию того, что я постигала опытом либо через косвенные источники. Она хорошо структурирует в мозгах всю будущую впоследствии поступать информацию. Однако важно немного побороть себя и осилить её. А первому курсу ещё и не смеяться на понятием "неясной ясности". ;)

Искусствоведческие книги — нелегкое чтиво. По крайней мере, если речь не идет о двухстраничном отзыве, продающем тексте или посте в блоге, то мне надо собраться, чтобы прочитать. В процессе надо вникать, рассматривать или (реже) вспоминать арт объекты, о которых пишет автор. Ну и наконец, если вы не из мира искусства, надо как-то выделить главное и запомнить его. Мне, конечно, помогло параллельное прохождение курса истории искусств и еще незабытое впечатление от музея Прадо в Мадриде. Музей, кстати, рекомендую всем. Я не ожидала такого сильного впечатления. Надеюсь, коронавирус с нами не навсегда.
Так вот, если вы готовы к некоторым усилиям или если вы счастливчик, которому такое чтение дается легко и небесполезно одновременно, то читайте. Книга небольшая, но без воды и воспринимается неплохо, хоть ей больше ста лет. Всем хорошего.

Книгу Вёльфина я прочитала уже после довольно глубокого погружения в тему истории искусств. Насмотренность стала уже довольно приличной, но хотелось узнать больше о прикладных методах анализа произведений искусства.

Книга рассказывает о том, как структура композиции, техника рисунка, перспектива и другие сугубо технические приемы могут передать тектонические сдвиги в отношении человека к миру. Т.е. тот или иной способ отображения действительности − это не просто технический навык или его отсутствие, но сознательный выбор художника, за которым стоит определенная философская система и соответствующее эпохе представление о прекрасном.

Вёльфин неоднократно подчеркивает, что последующие века не дискредитируют предыдущие, просто они видят и чувствуют по-другому. И вот эти изменения он как раз и фиксирует, раскладывая на пять простых диалектических пар.

Перевод на русский довольно плохой, особенно перевод имён художников, которые иногда приходится угадывать или мужественно терпеть (Ян Фермер или Лионардо). Также есть довольно большая проблема с представленными в книге репродукциями, которые гораздо лучше искать отдельно и в хорошем качестве. Без них не получится во всех нюансах проследить логику сравнений Вёльфина.

В остальном книга прекрасна, читается легко и содержит множество интересных наблюдений и приемов, которые легко можно применять к искусству совершенно разных эпох.

За эту книгу я бралась ещё в прошлом году и поначалу зачитывалась ею. Хотя не скажу, что информация в этой книге вся новая для меня, отнюдь нет. Но историческое сравнение двух направлений (южного и северного) было для меня в новинку. Также для меня, человека, который в архитектуре смыслит мало, было интересно узнать про те художественные приемы, что использовались в перечисленных в этой книге церквях и палаццо.

Бесспорные плюсы книги - наличие примеров и структурированное повествование (сначала разбираем понятия, потом рисунок, потом живопись и архитектуру и подводим итоги).

Книга обладает большим относительно её объёма содержанием иллюстраций, однако формат и качество этих иллюстраций оставляют желать лучшего. Они мало чем помогали в изучении. Приходилось всё равно гуглить большую часть названий работ и сооружений и по несколько раз сравнивать. Но что я хотела за столь небольшую стоимость книги.

Так что, если надумаете ознакомиться с данным трудом, имейте в виду, что лучше запастись закладочками и хорошего качества репродукциями, тогда уж точно пользы получите много, а не как я по итогу)

Книга состоит из пяти глав, каждая из которых посвящена паре категорий, определяющих развитие стилей в искусстве. Несмотря на то, что работа была написана более 100 лет назад (первое издание — 1915 г.), она сохраняет актуальность.

Автор исследует общие принципы художественного восприятия, анализируя западноевропейское искусство XVI–XVII веков (Ренессанс и барокко). Он выделяет пять пар стилевых противопоставлений:

• Линейное vs. живописное (чёткость контуров vs. динамика света и тени).

  2. Плоскостное vs. глубинное (композиция слоями vs. акцент на перспективе).

• Замкнутая vs. открытая форма (завершённость vs. динамичная незавершённость).
• Множественность vs. единство (самостоятельность элементов vs. подчинённость главному мотиву).
• Абсолютная vs. относительная ясность (детализация vs. общее впечатление).

  Стиль, по мнению автора, определяется как индивидуальностью художника, так и духом эпохи. Эволюция искусства — не прогресс и не упадок, а смена форм восприятия, обусловленная внутренними (развитие художественного языка) и внешними (мировоззрение, традиции) факторами.

  Критики упрекали автора в формализме, однако его подход стал основой для универсального анализа стилей. Форма для него — не просто техника, а «способ видения» эпохи, определяющий содержание.

  В целом, эта книга полезна для того, чтобы хотя бы немного научиться различать классику от барокко. Ты начинаешь смотреть на картины по-другому. Обращаешь внимание на общее, целое, учишься «считывать» художественный язык, характерный для той или иной эпохи. Лучше уясняешь для себя, что, например, Рафаэль, Дюрер, Браманте – это классическое искусство, а Рубенс, Рембрандт, Бернини – это уже барокко.

Наверное, я буду еще не раз возвращаться к этой книге позже, потому что она требует вдумчивого чтения и осмысления.

Поначалу читать очень тяжело, но страниц через 20 привыкаешь к используемому языку и к тому, что все время необходимо вычленять для себя основное на простом языке (хотя для искусствоведов это, возможно, и есть простой язык).
Во время чтения кажется, что одна и та же информация повторяется по многу раз разными словами, но в результате, каким-то удивительным образом у меня в голове выстроилась довольно стройная концепция, осталось только до конца сформировать, о чем эта концепция и как-то вписать ее в мои общие знания. Пока получается так, что все рассказанное в этой книге пока довольно абстрактно для меня. Все-таки для понимания лично мне было бы проще послушать лекцию в музее, где искусствовед объясняет материал наглядно, указывая на конкретные детали конкретных картин (я имею ввиду указывая буквально, физически - рукой или каким-либо предметом). Но читать все равно было интересно, хотя, как указывали выше, перевод немного странный - исковерканные фамилии и имена, ошибки.